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Una exposición de reproducciones en acuarela basadas en xilografías* originales del artista plástico Salvador Dalí (1904-1989), se expondrá en el Museo de Arte de El Salvador (Marte), como parte de las actividades de su décimo aniversario.

Se trata de una serie de ilustraciones sobre la obra "La Divina Comedia" del italiano Dante Alighieri (1265-1321), que el pintor surrealista español creó entre 1960 y 1964, como parte de un encargo del gobierno italiano, con motivo del 700 aniversario del nacimiento de Alighieri.

Los grabados que ahora llegan para la exhibición se realizaron sobre madera de 25.5 x 17.5 centímetros de plancha, en un formato de 33 x 26 centímetros de papel.

La colección completa pasó también por Ecuador, Honduras y Guatemala, y pertenece a la Fundación Universitaria Iberoamericana (FUNIBER), organismo internacional español con sede en el país, que se encarga de promover la educación a través de becas universitarias.

"No solo se trabaja para la educación, sino que se trata de aportar un poco de arte y de cultura a cada uno de los 28 países con los que trabajamos", enfatizó Guillermo Rodríguez, director de relaciones institucionales de FUNIBER en Centroamérica.

"De otra forma sería muy difícil que una exposición como esta visitara El Salvador o Guatemala, porque solo la logística y gastos hacen que ninguna otra institución se haga cargo", explicó.

"Esta colección viene acompañada de pruebas de imprenta, que son 240 láminas de piezas de colores (de cada color en las 100 obras). Cada color es una impresión xilográfica, es un proceso carísimo y complejo que supuso hacer esta xilografía, única en la historia", apuntó el español Federico Fernández, comisario de la exposición e investigador de la Universidad Politécnica de Catalunya (UCP), quien hoy a las 6:30 de la tarde ofrecerá una conferencia en el Marte, como parte de la inauguración sobre Dalí y "La Divina Comedia".

"Yo que he tenido una acuarela original de Dalí, puedo decir que la diferencia entre la acuarela y la xilografía es mínima, esto es mérito de dos artesanos franceses que la trasladaron a base de descomposición de colores, tinta sobre tinta, fundiendo xilografía y acuarela", agregó.

Por su parte, el director del Marte, Roberto Galicia, explicó sobre este grato encuentro con Dalí: "en cuanto supimos de la posibilidad de que esta exposición pudiera venir al país, entablamos conversaciones con FUNIBER, estábamos con suficiente tiempo para poder hacer el espacio y poder incluirla en nuestra programación de décimo aniversario del museo".

"Hemos estado dándoles seguimiento a los distintos sitios donde la exposición se ha presentado. Esto nos permite, en base a los resultados que se obtienen, en un futuro poder acceder a otras exposiciones que tiene Funiber, las cuales ha hecho circular por toda Iberoamérica", acotó.

En efecto, el representante de Funiber no descarta próximas colaboraciones que incluirían otra muestra completa de Dalí, "Del capricho al disparate", sobre la obra de Francisco de Goya, así como exhibiciones de los también artistas españoles Pablo Picasso y Joan Miró.

"Para todos será una experiencia reencontrarse con Dalí, uno de los nombres del que tiene referencia la mayoría", afirmó Galicia sobre las expectativas del público. "Y si lo vinculamos a 'La Divina Comedia' que es una obra literaria de trascendencia universal, pensamos que los maestros de letras estarán interesados en conocer cómo un artista de la talla de Dalí se enfrenta a Dante", agregó.

La obra fue escrita entre 1308 y 1321 y cuenta de una trilogía simbólica de infierno purgatorio y paraíso a través de tres personajes: Dante, Virgilio y Beatriz, éstos últimos como la razón y la fe.

La exposición estará abierta a partir de hoy 22 de mayo, durante un mes, como parte de la admisión general al museo.

Todos los domingos la entrada es gratis.
Más información al 2243-6099.

Fuente


* La Xilografia es una técnica de impresión en la que se usa una plancha de madera. El texto e imágenes deben ser talladas en la madera mediante una gubia o buril. Inicialmente se utilizaba un solo tacón de madera para cada página. Después se le impregna tinta y se presiona contra un papel para obtener la impresión.

Prácticamente el único uso que se le sigue dando a la xilografia es el artístico debido a su notorio carácter gráfico (el trazo grueso). Puesto que han surgido muchos otros sistemas de impresión que hacen que la impresión de textos e imágenes sea óptima y con clichés (matrices de impresión, en el caso de la xilografía es la madera) mucho más duraderos y que proporcionan impresos de mayor calidad.



Los nuevos análisis de una pintura anunciada como la versión original de la Mona Lisa, el retrato del siglo XV realizado por Leonardo da Vinci, muestran indicios de que es un trabajo del maestro italiano. Las pruebas, una llevada a cabo por un especialista en "geometría sagrada" y la otra del Instituto Federal de Tecnología en Zúrich, se realizaron a raíz de la presentación de la pintura, la "Mona Lisa de Isleworth", que tuvo lugar en Ginebra el pasado septiembre.

El retrato de La Gioconda expuesto en el museo Louvre de París durante más de 300 años ha sido considerado durante mucho tiempo como la única pintada por Leonardo, y las reivindicaciones suizas fueron rechazadas por algunos expertos el año pasado. Pero también ganó apoyo en el mundo del arte, lo que llevó a la Fundación Mona Lisa -un grupo internacional sin ánimo de lucro- a impulsar esfuerzos para demostrar su autenticidad.

David Feldman, vicepresidente de la fundación y vendedor de arte internacional, dijo que fue contactado por el geométrico italiano Alfonso Rubino tras la presentación pública del retrato, que muestra a una mujer mucho más joven que la del Louvre. "Realizó extensos estudios de la geometría del 'Hombre de Vitruvio' de Leonardo y se ofreció a analizar nuestra pintura para ver si se correspondía", dijo Feldman a Reuters. La conclusión de Rubino fue que el retrato de "Isleworth", llamado así por un suburbio londinense donde el experto británico en arte Hugh Blaker la conservó entre 80 y 90 años, se ajusta a la geometría de Leonardo y debe ser de su autoría.

El instituto de Zúrich, asegura la Fundación, realizó un examen de carbono al lienzo de la pintura y halló que fue confeccionado casi con seguridad entre 1410 y 1455, refutando las afirmaciones de que era una copia de finales del siglo XVI. Estudios sobre las pinceladas presentados en septiembre por el físico estadounidense y aficionado del arte John Asmus concluyeron que tanto la versión "original" como la del Louvre fueron pintadas por el mismo artista.

Varios documentos muestran que el noble florentino Francesco del Giacondo encargó una pintura de su esposa Lisa en el siglo XVI. La versión del Louvre es conocida en francés como "La Giaconde" y en italiano como "La Giaconda". Partidarios de la versión "joven" dicen que es casi seguro que la pintura fuera entregada sin terminar al noble antes de que Leonardo dejara Italia en 1506 para residir en Francia, donde falleció en 1519 en un pequeño castillo a orillas del Loira.

De la casa de los Giacondo, la pintura probablemente llegó a Inglaterra tras ser comprada por un aristócrata inglés, según una versión, mientras que la versión que se conserva en París fue que probablemente Leonardo la pintó alrededor de 1516 en Francia.


Óleo sobre lienzo; 197 x 249'5 cm; Museo Picasso. Barcelona. España.
© Sucesión Pablo Picasso. VEGAP, A Coruña, 2008.

A los 16 años, Picasso participa con este cuadro en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid, obteniendo una mención de honor. Pertenece a su época de aprendizaje académico y trata un tema muy del gusto de la época, con connotaciones morales, y donde el lado sombrío de la sociedad se ve edulcorado por la presencia de las clases privilegiadas (el médico, el clero) que intentan remediar lo que las injustas condiciones de vida han contribuido a crear.


Comentario
Pocos días antes de ir a pasar las vacaciones a Málaga en 1896, la familia Ruiz se trasladó a un piso de la calle Merced, número 3, y don José alquiló para su hijo un estudio en la calle de la Plata, número 4, situado a mitad del trayecto del domicilio paterno a la Lonja. Así, al iniciarse el curso de 1896-97, Pablo, a sus quince años, ya tenía un taller propio. En él pintó, en 1897, su primera gran obra, Ciencia y Caridad.

El tema, la idea y la composición de la obra partieron de don José y en ella quedan reflejadas las influencias de la época: la búsqueda del efecto luminoso heredado del impresionismo, pero también cierto provincialismo, se mezclan con la intención social y humanitaria de algunos modernistas. En el colorido, también se ven dos tendencias: la paleta académica de ocres y marrones acoge tonos «fin de siglo», como son el malva, lila y blanco. La escena representa un médico tomando el pulso a una enferma postrada en la cama de una modesta alcoba; al mismo tiempo, una monja le ofrece un tazón sosteniendo a su hijo. La rigidez y estructura de la obra contrasta con la libertad de los bocetos preparatorios, que se guardan, salvo uno, en el museo (110.099, 110.089, 110.229, 110.214 y 110.046 R). Para la figura del médico, posó el padre del artista; para la enferma, una pordiosera que pedía limosna en las inmediaciones del estudio y que fue contratada con el niño a dos duros por sesión, más los regalos y golosinas que le diesen al pequeño. El hábito de hermana de la caridad fue facilitado por sor Josefa González, de la comunidad de San Vicente de Paúl, que había sido atendida médicamente en algunas ocasiones por don Salvador.

Picasso presentó Ciencia y Caridad a la Exposición General de Bellas Artes de 1897 celebrada en Madrid con el nº 944 del catálogo oficial, donde constaba como discípulo de Muñoz Degrain, y obtuvo una mención de honor. El presidente del jurado de la sección de pintura era Modesto Urgell (que era profesor interino en la Lonja) y los vocales eran Luis Sainz, José Nogales, Serafín de Avendaño y Manuel Ramírez. Entre los pintores participantes, destacan: J. Mir, L. Masriera, Sorolla, Darío de Regoyos, Ramón Casas, Matilla. Las medallas de primera clase fueron conseguidas por Ignacio Pinazo y Sebastián Gessa. La temática elegida por Picasso debía ser del agrado del jurado, ya que el cuadro Caridad del gallego Jenaro Carrera Femández (1874-1902) obtuvo también una mención honorífica.

Según cuenta Sabartés, Picasso le dijo: «en las manos se ven las manos, decía mi padre». Y por lo visto esta máxima era compartida por parte de la crítica, ya que para desmerecer el éxito oficial del joven pintor, un periodista jocoso publicó la siguiente quintilla:

«Siento ante tanto dolor reírme como un bergante, pero el caso es superior. ¡Pues no está el señor doctor tomándole el pulso a un guante!»

Esta composición, que parece había sido premiada con una medalla de oro en la exposición provincial de Málaga, fue regalada al tío Salvador y estuvo colgada en su casa hasta 1918, posiblemente como agradecimiento a su protección y mecenazgo.

El mismo año que Pablo conseguía estos galardones en certámenes oficiales, se produjo, en Barcelona, un acontecimiento que sería de gran importancia para Picasso en el período siguiente: el 12 de junio de 1897 se inauguraba el café-cervecería de Els Quatre Gats, donde se reuniría la «intelligentzia» catalana y modernista.

Autora: Rosa Mª Subirana. Directora del Museo PicassoMuseo Picasso, en Grandes Pinacotecas. Museos de España, nº 1. Eds. Orgaz SA. Madrid, 1979.

                     Óleo sobre lienzo; Museo de Bellas Artes. Málaga. España.

El puritanismo de la época permitió representar el desnudo de una bella joven dándole un sentido moral muy del gusto de la época.

Muerta prematuramente, posiblemente a consecuencia de los "excesos de una mala vida" (mejor sería pensar que por hambre y tuberculosis), el médico que realiza la autopsia parece sorprenderse de que esta mujer "de la calle" tuviese corazón.

En un juego de varias lecturas, el pintor incluso podría querer explicar al público burgués de los salones que, incluso en las personas de los estratos más bajos de la sociedad puede encontrarse un buen corazón.

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